Me parece especialmente interesante el punto de vista de los usuarios de CAMON como "prosumidores". En primer lugar, porque es algo que hemos intentado realizar en la entidad que gestiono, el Auditorio Barañáin, y algo que comenzamos en su momento, el proyecto de "Duendes"
No es momento de hablar del Auditorio, sino del modelo de CAMON, así que pasemos a ello.
Es una experiencia de adecuación de las nuevas realidades sociocomunitarias a un centro socio-artístico-tecnológico-cultural, financiado por una caja de ahorros.
La idea parte del hecho de que el espacio es un centro de RECURSOS, recursos que son puestos a disposición de los prosumidores.
La novedad es qué se entiende como recurso.
El recurso es absolutamente todo. Los recursos previos, colocados por la entidad, son el punto de partida para que prosumidores puedan acercarse y crear utilizando esos recursos.
Las creaciones serán tanto acciones, como objetos, como relaciones, y todo ello son nuevos "inputs" que enriquecen el contenido del centro.
Porque el contenido no es el continente, y por tanto, el contenido, cada vez más, posee más continente.
En nuestro mundo de lo sociocultural y lo socioartístico, no sólo tenemos que MONETIZAR, sino también RECURSIZAR (nuevo término que me invento y pongo a disposición del mundo en Creative Commons)
Lo generado en la actividad, incluso la propia actividad, es objeto de reflexión y análisis (también es un recurso), que nos ayuda a seguir caminando.
El proceso creador genera obras de arte, que deben alimentar al proceso para que pueda seguir creando.
La búsqueda de la piedra filosofal de la cinética: la máquina que genera energía suficiente para moverse según se mueve (e incluso más)
De cualquier forma, quería compartir una reflexión que últimamente me viene a la cabeza y a la acción cotidiana: ¿estamos viviendo una vuelta a los 70, y a los procesos de animación sociocultural, sociocomunitaria?
Por un lado, es claro que nos encontramos en un nuevo momento en el que el "estado del Bienestar" aplicado a la cultura ha dejado de lado los procesos de participación social que generaron los modelos culturales de los que hoy gozamos.
En mi sector, las Artes Escénicas, los trabajadores de la cultura en los diferentes ayuntamientos que se han encargado de gestionar los espacios escénicos han ido deviniendo en "pequeños caciques" que controlaban las programaciones bajo el lema de "todo para mi público, pero sin mi público", en un proceso del que nadie estaba siendo consciente, viniendo como veníamos de unos tiempos en los que la "No-participación" era la única opción que llegaba de las instituciones.
Hay reflexión, y por ello, hay herramientas idénticas, o muy similares, aunque con diferentes nombres.
Pero es fundamental que haya experiencias como la de CAMON. Necesitamos hacer, pero eso sí, reflexionando y aprendiendo en común, participando.
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/05/semana-13-hacia-un-nuevo-modelo-de.html
domingo, 29 de mayo de 2011
semana 12: "¡Manifiestate, comunidad!"
No es sencillo implicar a toda una comunidad en un proyecto tan ambicioso como Manifiesta, y además, con una temática no ampliamente conocidad, desarrollada y aceptada: el Arte Contemporáneo.
Partimos de una serie de oportunidades: el festival puede poner a nuestra comunidad en un prisma internacional, visibilizarnos, darnos un grandísimo empujon como comunidad en sí y las redes y conexiones que creemos para el festival podrán continuar vivas (y si no lo hacen, algo habremos hecho mal) en el futuro.
Hemos de tener en cuenta que Limburgo es parte de Flandes, que linda con los Paises Bajos (que tienen una región homónima), y que los continuos problemas de gobernabilidad de Belgica pueden ser una amenaza, y, a la vez, una oportunidad para demostrar que las diferentes sensibilidades e identidades pueden aunarse en pro de un objetivo comun.
Por ello, tendremos que hacer un especial esfuerzo en que estas posibles amenazas se conviertan en fortalezas de nuestro festival, con contactos y redes bien trabajadas en todo Belgica, con artistas, investigadores y participantes de todo el país, con identidades diferentes y pàrticipaciones calibradas.
Además, hay que tener en cuenta que Manifiesta es un festival europeo, y que nos encontramos en un momento en el que Europa está en una crisis ciertamente preocupante.
Una de nuestras grandes debilidades será precisamente la de la financiación en un momento en que los fondos para la Cultura y el Arte se encuentran en mínimos históricos.
Sin embargo, la creaciópn contemporánea que surge de esta realidad es una de las más prolíficas de la história, máxime hablando de arte contemporáneo.
Es fundamental y debe convertirse en la columna vertebral del festival, conseguir trabajar conjuntamente con las redes que están trabajando en este mismo sentido en los diferentes países, y de cómo la cultura contemporánea está marcando no sólo el devenir del arte de nuestros días, sino el de la propia comunidad a todos los niveles, incluso el político.
Si conseguimos que el festival sea percibido por todos los actores nombrados como la oportunidad que desde el festival visualizamos y promovemos, la garantía de un programa de gran calidad es grande.
Si además somos capaces de alimentar al festival con recursos que no sólo sean monetarios y lo hagamos mediante nuevas formas de financiación que surgen desde el propio corazón de la crisis, las indistrias y comercios tendrán herramientas variadas de participación y compromiso con el festival, así como una serie de recompensas adecuadas para su nivel de participación.
Manifiesta, en Europa, y en estos momentos, es todo un reto: el panorama puede parecer lleno de debilidades para el sector, pero las oportunidades ya están ahí, hay que localizarlas y aprovecharlas!
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/05/semana-12-expansion-del-entorno-para-el.html
Partimos de una serie de oportunidades: el festival puede poner a nuestra comunidad en un prisma internacional, visibilizarnos, darnos un grandísimo empujon como comunidad en sí y las redes y conexiones que creemos para el festival podrán continuar vivas (y si no lo hacen, algo habremos hecho mal) en el futuro.
Hemos de tener en cuenta que Limburgo es parte de Flandes, que linda con los Paises Bajos (que tienen una región homónima), y que los continuos problemas de gobernabilidad de Belgica pueden ser una amenaza, y, a la vez, una oportunidad para demostrar que las diferentes sensibilidades e identidades pueden aunarse en pro de un objetivo comun.
Por ello, tendremos que hacer un especial esfuerzo en que estas posibles amenazas se conviertan en fortalezas de nuestro festival, con contactos y redes bien trabajadas en todo Belgica, con artistas, investigadores y participantes de todo el país, con identidades diferentes y pàrticipaciones calibradas.
Además, hay que tener en cuenta que Manifiesta es un festival europeo, y que nos encontramos en un momento en el que Europa está en una crisis ciertamente preocupante.
Una de nuestras grandes debilidades será precisamente la de la financiación en un momento en que los fondos para la Cultura y el Arte se encuentran en mínimos históricos.
Sin embargo, la creaciópn contemporánea que surge de esta realidad es una de las más prolíficas de la história, máxime hablando de arte contemporáneo.
Es fundamental y debe convertirse en la columna vertebral del festival, conseguir trabajar conjuntamente con las redes que están trabajando en este mismo sentido en los diferentes países, y de cómo la cultura contemporánea está marcando no sólo el devenir del arte de nuestros días, sino el de la propia comunidad a todos los niveles, incluso el político.
Si conseguimos que el festival sea percibido por todos los actores nombrados como la oportunidad que desde el festival visualizamos y promovemos, la garantía de un programa de gran calidad es grande.
Si además somos capaces de alimentar al festival con recursos que no sólo sean monetarios y lo hagamos mediante nuevas formas de financiación que surgen desde el propio corazón de la crisis, las indistrias y comercios tendrán herramientas variadas de participación y compromiso con el festival, así como una serie de recompensas adecuadas para su nivel de participación.
Manifiesta, en Europa, y en estos momentos, es todo un reto: el panorama puede parecer lleno de debilidades para el sector, pero las oportunidades ya están ahí, hay que localizarlas y aprovecharlas!
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/05/semana-12-expansion-del-entorno-para-el.html
semana 11: yo produzco, tú produces.
"Non Profit Music" es una discográfica que surge en 2005, de la mano de Jorge Grundman, y que pretende impulsar proyectos de regeneración de música de cámara de compositores españoles, así como impulsar a nuevos compositores en músicas diversas.
Los beneficios que generan sus discos, y, sobre todo, las descargas de canciones, sobre todo en Estados Unidos, van a parar a proyectos benéficos, así como a mantener una orquesta de cámara que realiza conciertos benéficos, con el repertorio quye se pretende rescatar del olvido.
Joaquin Taboada es el músico español con más descargas entre los años 2006 y 2007 en las páginas más importantes del mundo (ArtistLaunch.com, SoundClick.com o Download.com)
Hay muchísimos ejemplos (Prince desafió a la industria, lo mismo que Terence Trent D'Arby,...) de impulsos destinados a abrir caminos, motivados por la necesidad de una sensación de mayor control sobre el propio proceso creativo, y de las propias creaciones.
La industria musical , hasta entonces, había sido heredera de una industria que, ante todo, vivía de representar a los artistas. El modelo de negocio, en aquel momento en el que los soportes no eran lo fundamental, era consguir actuaciones en directo.
Para aumentar el negocio, había que aumentar las posibilidades de conciertos, y comenzaron a buscar nuevas posibilidades (la radio, nuevas salas de conciertos, luego la TV...)
En el momento en el que la clase media comenzó a tener tocadiscos en casa, posteriormente el cassette, CD, etc, los soportes se convirtieron en el modelo de negocio primordial, dejando de lado el directo.
Tras la revolución tecnológica, de nuevo el directo se convierte en su modelo de negocio primordial.
Obviamente, la industria del soporte se resiste, e intenta que la defunción de los soportes tradicionales no sea tan súbita, y pueda mantenerse cierta venta de soportes con ciertas características.
Pero ahora, ¿cuál es el "know how" necesario para la organización de conciertos? Antes, un "manager" tenía contactos, la información necesaria para organizar giras, para tener contratos...
Sin embargo, ahora el concepto de "management" es muchísimo más líquido, y cualquier artista, con la ayuda de Google, puede buscar los contactos necesarios para la organización de giras.
La parte que nos queda es la de la promoción. Y es claro que las nuevas herramientas de promoción están al alcance de todos. Depende más de la maestría y habilidad en su uso, que de los recursos que destines a este concepto. Por tanto, es normal que la industria musical intente resistirse: las herramientas que antes tenía como exclusivas han pasado a formar parte de la comunidad, y su modelo de negocio se tambalea.
De cualquier forma, hay diversas tipologías de industria musicales, y hay muchos ejemplos de adaptación a los tiempos, y de buenas prácticas en ese sentido.
Ojala que la energía la invirtamos en generar y crear, más que en poner palos en las ruedas de lo emergente.
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/05/introduccion-en-un-concepto-tradicional.html
Los beneficios que generan sus discos, y, sobre todo, las descargas de canciones, sobre todo en Estados Unidos, van a parar a proyectos benéficos, así como a mantener una orquesta de cámara que realiza conciertos benéficos, con el repertorio quye se pretende rescatar del olvido.
Joaquin Taboada es el músico español con más descargas entre los años 2006 y 2007 en las páginas más importantes del mundo (ArtistLaunch.com, SoundClick.com o Download.com)
Hay muchísimos ejemplos (Prince desafió a la industria, lo mismo que Terence Trent D'Arby,...) de impulsos destinados a abrir caminos, motivados por la necesidad de una sensación de mayor control sobre el propio proceso creativo, y de las propias creaciones.
La industria musical , hasta entonces, había sido heredera de una industria que, ante todo, vivía de representar a los artistas. El modelo de negocio, en aquel momento en el que los soportes no eran lo fundamental, era consguir actuaciones en directo.
Para aumentar el negocio, había que aumentar las posibilidades de conciertos, y comenzaron a buscar nuevas posibilidades (la radio, nuevas salas de conciertos, luego la TV...)
En el momento en el que la clase media comenzó a tener tocadiscos en casa, posteriormente el cassette, CD, etc, los soportes se convirtieron en el modelo de negocio primordial, dejando de lado el directo.
Tras la revolución tecnológica, de nuevo el directo se convierte en su modelo de negocio primordial.
Obviamente, la industria del soporte se resiste, e intenta que la defunción de los soportes tradicionales no sea tan súbita, y pueda mantenerse cierta venta de soportes con ciertas características.
Pero ahora, ¿cuál es el "know how" necesario para la organización de conciertos? Antes, un "manager" tenía contactos, la información necesaria para organizar giras, para tener contratos...
Sin embargo, ahora el concepto de "management" es muchísimo más líquido, y cualquier artista, con la ayuda de Google, puede buscar los contactos necesarios para la organización de giras.
La parte que nos queda es la de la promoción. Y es claro que las nuevas herramientas de promoción están al alcance de todos. Depende más de la maestría y habilidad en su uso, que de los recursos que destines a este concepto. Por tanto, es normal que la industria musical intente resistirse: las herramientas que antes tenía como exclusivas han pasado a formar parte de la comunidad, y su modelo de negocio se tambalea.
De cualquier forma, hay diversas tipologías de industria musicales, y hay muchos ejemplos de adaptación a los tiempos, y de buenas prácticas en ese sentido.
Ojala que la energía la invirtamos en generar y crear, más que en poner palos en las ruedas de lo emergente.
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/05/introduccion-en-un-concepto-tradicional.html
lunes, 23 de mayo de 2011
semana 10: de leyes con "d" y sin "d"
La llamada "Ley Sinde" , o, con mayor propiedad, la "Disposición Final Segunda" de la "Ley de Economía Sostenible", ha sido uno de los motores de debate más importantes de los últimos meses, y ha generado cientos-miles de entradas en blogs, tweets, artículos, manifestaciones y sentadas, y, escrito esto desde un 23 de mayo, incluso ha sido uno de los gérmenes (no el único, ni el más importante, pero sí uno de ellos), del movimiento del 15-M.
En Google nos salen más de 4.100.000 resultados, lo que da una cierta idea de la dimensión del fenómeno generado con este debate.
Debate, desde mi punto de vista, con demasiado ruido, y mi poco moderado (moderado en el sentido de que el papel de la moderación en un debate no lo ha asumido nadie, y, como de costumbre, la gente toma posición sin emplear tiempo en profundizar en los argumentos.
Argumentos a favor de la "Ley Sinde"
Correligionarios: Industrias Culturales en general (sobre todo, las ligadas a la producción y distribución, así como "creadores" de gran éxito -Alejandro Sanz, "Triunfitos", Pau Donés-), sociedades de gestión de derechos...
1.- Copiar, reproducir, distribuir, etc, obras de autor sin su consentimiento no es lícito.
Efectivamente, no lo es, y es algo en lo que están de acuerdo tanto los autores que se posicionan a favor de modelos cerrados de gestión de derechos, como de los que se posicionan a favor de los abiertos. El autor tiene la propiedad intelectual de sus creaciones y tiene que poder decidir sobre lo que ocurra con las mismas.
2.- La realidad ha cambiado y se requieren nuevos sistemas de regulación.
Así es, y la revolución tecnológica ha variado en su raíz los procesos de creación, reproducción y distribución de las obras. Hay, pues, que hacer un esfuerzo para actualizar las normas que rijan esos nuevos procesos.
3.- Los autores son un bien que hay que proteger.
Necesitamos, como sociedad, establecer sistemas que garanticen la supervivencia de los autores, además de fomentar la creatiidad de los mismos. Así como se cuida a los autores, también sus hábitats. Por ello, hay que garantizar retribuciones adecuadas, espacios de creación...
4.- Las industrias culturales son imprescindiblas para este país, y por tanto, hay que protegerlas.
Un sector que está aportando entre un 3 y un 5% del PIB, es un sector importantísimo, máxime en una crisis generalizada en la que la cultura, el turismo, el patrimonio, etc, se situan en primer lugar de las opciones que pueden llevarnos a salir de la misma en la Vieja Europa. Hay que señalar que, aunque se dice que la industria cultural no se está moviendo, y que esta ley es la respuesta a su inmovilismo, los movimientos internos de la industria intentando acoplarse a los nuevos tiempos están siendo realmente titánicos en algunos casos.
Argumentos en contra de la "Ley Sinde"
Correligionarios: Asociación de Internautas, "internautas en general", "creadores de éxito menor" (entrecomillado porque no son colectivos homogéneos, ni tampoco tienen una sola voz)
1.- La Ley Sinde vulnera principios fundamentales.
. Restringe la ley de protección de datos personales (permite la cesión de datos sin consentimiento)
. Otorga a una comisión (no a un juzgado) la potestad de decidir sobre lo licito o ilicito de los contenidos de una web.
. En algunos supuestos, queda dañada la presunción de inocencia
2.- La Ley Sinde no es proporcional ni equilibrada (matar moscas a cañonazos)
Pone los bienes de propiedad intelectual al mismo nivel que la seguridad nacional, presuponiendo delitos y colocándose en situaciones excepcionales para poder dejar sin aplicación otras normas protectoras de derechos.
3.- Sólo piensa en la industria, no en los creadores.
La Ley Sinde no ha incluido en su articulado, ni ha recogido ninguna recomendación sobre el fomento de la creación en la nueva situación de revolución tecnológica, y el Ministerio de Cultura no ha protagonizado ningún programa en ese sentido.
4.- No arregla nada. Las industrias culturales seguirán con su problema.
Las editoriales siguen cerrando, así como las librerías. En mi ciudad han cerrado todas las tiendas de discos, también las pequeñas discográficas. No es un problema del autor, es un problema de
5.- Ha conseguido que crean que los autores son unos aprovechados que quieren vivir del cuento, separando a la sociedad de los autores, y de la cultura en general (desapego por la cultura), y que la sociedad está llena de piratas que no quieren pagar por lo que tienen.
Mi opinión
Felix Rodriguez de la Fuente diría que hay que proteger a una especie llamada "autor", y a otra especie llamada "espectador", "usuario", "lector", o como nos parezca, y son precisamente las dos especies que más dañadas han resultado con esta medida, ambas vilipendiadas por la ley.
Por un lado (como gestor de un teatro), la revolución tecnológica posibilita que los autores puedan, sin intermediario alguno, recoger los frutos de sus derechos por sí mismos, pero el sistema no lo permite.
Debo recibir la visita de un "cobrador del frac" legitimado por nuestro sistema, que se queda con el 10% de mi negocio de venta de entradas, sin dejarme ninguna garantía de que el autor cobra, y cuánto cobra, de lo que aporta mi teatro.
Me niega la experiencia de poder contactar con el autor, de enriquecernos mutuamente, de proyectar hacia el futuro...
En la sociedad de la información, se penaliza el informar (un enlace es sólo eso, información)
Hay varios modos de modificar conductas, y un gobierno está en la obligación de fomentar esos cambios.
Puede hacerlo por punición, como es el caso, es decir, intentar penalizar toda conducta/acción "non grata".
Pero ha perdido una grandísima oportunidad de dar a conocer tesoros sociales, como son los autores y las industrias culturales, fomentando un sentimiento de pertenencia, de colectividad.
Sarasate, o Gayarre son a Navarra lo que son no por lo que han percibido de ella, sino por lo que le han dado a Navarra, y nadie en Navarra tiene dudas sobre ello, sobre el LEGADO que han dejado.
Esa es la duda actual: ¿cuál es el legado de los actores actuales, de las industrias culturales?
Creo que la sociedad no se siente en deuda con ellos, sino más bien al contrario.
Es fundamental, por tanto, volver aponer en valor ambas instituciones: la institución llamada AUTOR y la institucion llamada INDUSTRIA CULTURAL.
Nadie discute que el carnicero ponga un sobre coste a la carne que ha comprado previamente.
Hay que hacer esfuerzos por dignificar y poner en valor. Y, tristemente, la Ley Sinde, independientemente de todas las consideraciones y argumentos expuestos arriba, ha conseguido lo contrario. Una muy mala noticia para la cultura.
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-10-propiedad-intelectual-y.html
En Google nos salen más de 4.100.000 resultados, lo que da una cierta idea de la dimensión del fenómeno generado con este debate.
Debate, desde mi punto de vista, con demasiado ruido, y mi poco moderado (moderado en el sentido de que el papel de la moderación en un debate no lo ha asumido nadie, y, como de costumbre, la gente toma posición sin emplear tiempo en profundizar en los argumentos.
Argumentos a favor de la "Ley Sinde"
Correligionarios: Industrias Culturales en general (sobre todo, las ligadas a la producción y distribución, así como "creadores" de gran éxito -Alejandro Sanz, "Triunfitos", Pau Donés-), sociedades de gestión de derechos...
1.- Copiar, reproducir, distribuir, etc, obras de autor sin su consentimiento no es lícito.
Efectivamente, no lo es, y es algo en lo que están de acuerdo tanto los autores que se posicionan a favor de modelos cerrados de gestión de derechos, como de los que se posicionan a favor de los abiertos. El autor tiene la propiedad intelectual de sus creaciones y tiene que poder decidir sobre lo que ocurra con las mismas.
2.- La realidad ha cambiado y se requieren nuevos sistemas de regulación.
Así es, y la revolución tecnológica ha variado en su raíz los procesos de creación, reproducción y distribución de las obras. Hay, pues, que hacer un esfuerzo para actualizar las normas que rijan esos nuevos procesos.
3.- Los autores son un bien que hay que proteger.
Necesitamos, como sociedad, establecer sistemas que garanticen la supervivencia de los autores, además de fomentar la creatiidad de los mismos. Así como se cuida a los autores, también sus hábitats. Por ello, hay que garantizar retribuciones adecuadas, espacios de creación...
4.- Las industrias culturales son imprescindiblas para este país, y por tanto, hay que protegerlas.
Un sector que está aportando entre un 3 y un 5% del PIB, es un sector importantísimo, máxime en una crisis generalizada en la que la cultura, el turismo, el patrimonio, etc, se situan en primer lugar de las opciones que pueden llevarnos a salir de la misma en la Vieja Europa. Hay que señalar que, aunque se dice que la industria cultural no se está moviendo, y que esta ley es la respuesta a su inmovilismo, los movimientos internos de la industria intentando acoplarse a los nuevos tiempos están siendo realmente titánicos en algunos casos.
Argumentos en contra de la "Ley Sinde"
Correligionarios: Asociación de Internautas, "internautas en general", "creadores de éxito menor" (entrecomillado porque no son colectivos homogéneos, ni tampoco tienen una sola voz)
1.- La Ley Sinde vulnera principios fundamentales.
. Restringe la ley de protección de datos personales (permite la cesión de datos sin consentimiento)
. Otorga a una comisión (no a un juzgado) la potestad de decidir sobre lo licito o ilicito de los contenidos de una web.
. En algunos supuestos, queda dañada la presunción de inocencia
2.- La Ley Sinde no es proporcional ni equilibrada (matar moscas a cañonazos)
Pone los bienes de propiedad intelectual al mismo nivel que la seguridad nacional, presuponiendo delitos y colocándose en situaciones excepcionales para poder dejar sin aplicación otras normas protectoras de derechos.
3.- Sólo piensa en la industria, no en los creadores.
La Ley Sinde no ha incluido en su articulado, ni ha recogido ninguna recomendación sobre el fomento de la creación en la nueva situación de revolución tecnológica, y el Ministerio de Cultura no ha protagonizado ningún programa en ese sentido.
4.- No arregla nada. Las industrias culturales seguirán con su problema.
Las editoriales siguen cerrando, así como las librerías. En mi ciudad han cerrado todas las tiendas de discos, también las pequeñas discográficas. No es un problema del autor, es un problema de
5.- Ha conseguido que crean que los autores son unos aprovechados que quieren vivir del cuento, separando a la sociedad de los autores, y de la cultura en general (desapego por la cultura), y que la sociedad está llena de piratas que no quieren pagar por lo que tienen.
Mi opinión
Felix Rodriguez de la Fuente diría que hay que proteger a una especie llamada "autor", y a otra especie llamada "espectador", "usuario", "lector", o como nos parezca, y son precisamente las dos especies que más dañadas han resultado con esta medida, ambas vilipendiadas por la ley.
Por un lado (como gestor de un teatro), la revolución tecnológica posibilita que los autores puedan, sin intermediario alguno, recoger los frutos de sus derechos por sí mismos, pero el sistema no lo permite.
Debo recibir la visita de un "cobrador del frac" legitimado por nuestro sistema, que se queda con el 10% de mi negocio de venta de entradas, sin dejarme ninguna garantía de que el autor cobra, y cuánto cobra, de lo que aporta mi teatro.
Me niega la experiencia de poder contactar con el autor, de enriquecernos mutuamente, de proyectar hacia el futuro...
En la sociedad de la información, se penaliza el informar (un enlace es sólo eso, información)
Hay varios modos de modificar conductas, y un gobierno está en la obligación de fomentar esos cambios.
Puede hacerlo por punición, como es el caso, es decir, intentar penalizar toda conducta/acción "non grata".
Pero ha perdido una grandísima oportunidad de dar a conocer tesoros sociales, como son los autores y las industrias culturales, fomentando un sentimiento de pertenencia, de colectividad.
Sarasate, o Gayarre son a Navarra lo que son no por lo que han percibido de ella, sino por lo que le han dado a Navarra, y nadie en Navarra tiene dudas sobre ello, sobre el LEGADO que han dejado.
Esa es la duda actual: ¿cuál es el legado de los actores actuales, de las industrias culturales?
Creo que la sociedad no se siente en deuda con ellos, sino más bien al contrario.
Es fundamental, por tanto, volver aponer en valor ambas instituciones: la institución llamada AUTOR y la institucion llamada INDUSTRIA CULTURAL.
Nadie discute que el carnicero ponga un sobre coste a la carne que ha comprado previamente.
Hay que hacer esfuerzos por dignificar y poner en valor. Y, tristemente, la Ley Sinde, independientemente de todas las consideraciones y argumentos expuestos arriba, ha conseguido lo contrario. Una muy mala noticia para la cultura.
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-10-propiedad-intelectual-y.html
martes, 17 de mayo de 2011
Semana 9: Transmarketing y transmedia
No, no creo que el proyecto de "biciclown" sea transmedia.
Leyendo el primer artículo de prensa aparecido allá por el 2001, Alvaro había planeado un viaje de año y medio por América, haciendo de embajador de Payasos sin Fronteras, y recopilando información en un cuaderno de bitácora que se terminaría convirtiendo en un libro a su regreso a Asturias.
Tras diez años (superado el plazo inicial de manera bastante importante), el proyecto ha crecido, y ha generado los productos suficientes como para generar recursos que mantengan una estructura de proyecto que también ha crecido con el tiempo.
Tomando la entrada de wikipedia sobre el transmedia, aceptaríamos que "biciclown" es transmedia porque utiliza la misma como técnica para contar su historia utilizando diferentes plataformas y formatos: web, diarios, libros, DVDs...
Creo, sin embargo,que la finalidad primordial de la diversificación de medios y plataformas está pensada como una vía de búsqueda de fondos para el mantenimiento del proyecto, no tanto en la propia técnica como oportunidad de creación (el enlace de Jenkins que nos proporcionásteis es muy bueno, y para mí, esclarecedor)
Creo que la clave, tal y como comentaba en una de las respuestas en el formulario de esta semana, está en COMPARTIR el hecho creativo.
Hay un solo foco, una sola linea narrativa, por lo que creo que lo correcto sería decir que es un mensaje en multiples formatos, pero no transmedia.
¿Posibilidades de convertirlo en transmedia? Todas, absolutamente todas.
Cada nuevo paso en el camino es la oportunidad de compartir con el público original del proyecto, y de hacer experiencias de co-creación con ellos, y que estas nuevas historias que surgen de la historia se conviertan en parte de la misma.
Es un gran giro de timón: el guión no está preconcebido "regalo MI espectáculo" "YO doy", sino que está por hacer:"NUESTROS espectáculos" "YO recibo, me dan; YO doy, toman; COMPARTIMOS"
Las posibilidades de financiación, además, se multiplican, puesto que hasta ahora, toda la financiación llega desde el "primer mundo". De esta forma, con estancias más sosegadas, podría verse la posibilidad de una financiación parcial en los lugares por donde pasa.
Para acabar: tengo una visión muy crítica con este tipo de proyectos (he trabajado durante muchos años en DDHH y cooperación).
La clave está en dejar a un lado nuestra cosmovisión colonialista de primer mundo. Para mí (suena duro) este proyecto es "viejuno", y reune todas las características de los de la "Santa Infancia" y las huchas que hacíamos en el cole hace unos cuantos años.
Ese es el freno para que este proyecto pueda ser co-creativo y transmedia: colocar a los diferentes actores o posibles actores en un mismo plano, sin categorías.
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-9-el-creador-como-protagonista.html
Leyendo el primer artículo de prensa aparecido allá por el 2001, Alvaro había planeado un viaje de año y medio por América, haciendo de embajador de Payasos sin Fronteras, y recopilando información en un cuaderno de bitácora que se terminaría convirtiendo en un libro a su regreso a Asturias.
Tras diez años (superado el plazo inicial de manera bastante importante), el proyecto ha crecido, y ha generado los productos suficientes como para generar recursos que mantengan una estructura de proyecto que también ha crecido con el tiempo.
Tomando la entrada de wikipedia sobre el transmedia, aceptaríamos que "biciclown" es transmedia porque utiliza la misma como técnica para contar su historia utilizando diferentes plataformas y formatos: web, diarios, libros, DVDs...
Creo, sin embargo,que la finalidad primordial de la diversificación de medios y plataformas está pensada como una vía de búsqueda de fondos para el mantenimiento del proyecto, no tanto en la propia técnica como oportunidad de creación (el enlace de Jenkins que nos proporcionásteis es muy bueno, y para mí, esclarecedor)
Creo que la clave, tal y como comentaba en una de las respuestas en el formulario de esta semana, está en COMPARTIR el hecho creativo.
Hay un solo foco, una sola linea narrativa, por lo que creo que lo correcto sería decir que es un mensaje en multiples formatos, pero no transmedia.
¿Posibilidades de convertirlo en transmedia? Todas, absolutamente todas.
Cada nuevo paso en el camino es la oportunidad de compartir con el público original del proyecto, y de hacer experiencias de co-creación con ellos, y que estas nuevas historias que surgen de la historia se conviertan en parte de la misma.
Es un gran giro de timón: el guión no está preconcebido "regalo MI espectáculo" "YO doy", sino que está por hacer:"NUESTROS espectáculos" "YO recibo, me dan; YO doy, toman; COMPARTIMOS"
Las posibilidades de financiación, además, se multiplican, puesto que hasta ahora, toda la financiación llega desde el "primer mundo". De esta forma, con estancias más sosegadas, podría verse la posibilidad de una financiación parcial en los lugares por donde pasa.
Para acabar: tengo una visión muy crítica con este tipo de proyectos (he trabajado durante muchos años en DDHH y cooperación).
La clave está en dejar a un lado nuestra cosmovisión colonialista de primer mundo. Para mí (suena duro) este proyecto es "viejuno", y reune todas las características de los de la "Santa Infancia" y las huchas que hacíamos en el cole hace unos cuantos años.
Ese es el freno para que este proyecto pueda ser co-creativo y transmedia: colocar a los diferentes actores o posibles actores en un mismo plano, sin categorías.
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-9-el-creador-como-protagonista.html
lunes, 16 de mayo de 2011
semana 8: burbujeantes empresas digitales y tecnológicas
Tal y como reza el artículo de wikipedia sobre la "Burbuja punto com", con el cambio de siglo llegó también un cambio espectacular en laas dinámicas que gobernaban la economía mundial: el capitalismo, en su pleno apogeo tras la caída del muro, eleva el capital a su máxima expresión y el propio dinero se convierte en la principal fuente de dinero.
Las empresas relacionadas con internet tenían todo lo que necesitaba este "nuevo orden" y su "nueva economía": el mercado podía "jugar" con su valor, especuylando con las perspectivas y espectativas, dando más importancia a la marca en sí, que a las posibilidades reales de negocio de la empresa.
Estas espectativas fueron elevadas a conveniencia de mercados y capitales hasta que los mismos capitales que les elevaron a las alturas, los dejaron caer, colocando sus inversiones en otros negocios.
En estos momentos, la alerta de encontrarnos ante una nueva burbuja es grande. Puede que los números que se manejaron en la primera de ellas no lleguen en esta ocasión a ser tan gigantescas (desaparecieron casi 5.000 empresas entre 2000 y 2003 según la entrada de Wikipedia dedicada a la burbuja de las "punto com"), ¿o sí lo será?
Es obvio que las estructuras que van generándose alrededor de estas nuevas empresas relacionadas con la web 2.0 son, en apariencia, más sólidas, y que los diversos inversores que sustentan estas compañías están realizando grandes esfuerzos para que esto sea así.
Pero estamos además en una grandísima crisis financiera, en la que el efectivo y lo real vuelve a formar parte de lo fundamental e indispensable (dinero en efectivo, oro, economía primaria...), y los grandes capitales intentan ahora especular con el sector primario, y con este otro de "realidad virtual".
Creo que la clave para ver cuáles de estas empresas de la web 2.0 podrán subsistir a esta nueva burbuja estará en la capacidad de ser "reales", es decir, siempre y cuando sean capaces de conectar, siendo interdependientes de la propia realidad.
Esta nueva revolución tecnológica, que está permitiendo a los productores y creadores conectar directamente con el público sin intermediarios, podrá mantenerse en tanto en cuanto pueda seguir posibilitando que dicha realidad se mantenga viva. Es necesario, por tanto, que las empresas de la 2.0 tengan la capacidad de funcionar con VALORES, que deben nacer de la propia sociedad de produce/crea y de la que consume, que es la misma.
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-8.html
Las empresas relacionadas con internet tenían todo lo que necesitaba este "nuevo orden" y su "nueva economía": el mercado podía "jugar" con su valor, especuylando con las perspectivas y espectativas, dando más importancia a la marca en sí, que a las posibilidades reales de negocio de la empresa.
Estas espectativas fueron elevadas a conveniencia de mercados y capitales hasta que los mismos capitales que les elevaron a las alturas, los dejaron caer, colocando sus inversiones en otros negocios.
En estos momentos, la alerta de encontrarnos ante una nueva burbuja es grande. Puede que los números que se manejaron en la primera de ellas no lleguen en esta ocasión a ser tan gigantescas (desaparecieron casi 5.000 empresas entre 2000 y 2003 según la entrada de Wikipedia dedicada a la burbuja de las "punto com"), ¿o sí lo será?
Es obvio que las estructuras que van generándose alrededor de estas nuevas empresas relacionadas con la web 2.0 son, en apariencia, más sólidas, y que los diversos inversores que sustentan estas compañías están realizando grandes esfuerzos para que esto sea así.
Pero estamos además en una grandísima crisis financiera, en la que el efectivo y lo real vuelve a formar parte de lo fundamental e indispensable (dinero en efectivo, oro, economía primaria...), y los grandes capitales intentan ahora especular con el sector primario, y con este otro de "realidad virtual".
Creo que la clave para ver cuáles de estas empresas de la web 2.0 podrán subsistir a esta nueva burbuja estará en la capacidad de ser "reales", es decir, siempre y cuando sean capaces de conectar, siendo interdependientes de la propia realidad.
Esta nueva revolución tecnológica, que está permitiendo a los productores y creadores conectar directamente con el público sin intermediarios, podrá mantenerse en tanto en cuanto pueda seguir posibilitando que dicha realidad se mantenga viva. Es necesario, por tanto, que las empresas de la 2.0 tengan la capacidad de funcionar con VALORES, que deben nacer de la propia sociedad de produce/crea y de la que consume, que es la misma.
http://cultura-abierta.blogspot.com/2011/04/semana-8.html
Suscribirse a:
Entradas (Atom)